• L'art et la vie de Gérard Garouste sont peuplés de fantômes et de hantises. L'artiste livre ici, sans aucun fard, tous les tourments intimes qui ont façonné son parcours : la violence et l'antisémitisme de son père, la dyslexie, l'échec, la folie, la dépression, l'incompréhension.

    Nous entraînant au coeur des rouages de la création, cet entretien révèle un personnage à la franchise déconcertante, teintée d'humour et de tendresse. Garouste y décrit toutes les étapes de son art et les chocs heureux qui l'ont conduit à des choix décisifs. Autodidacte initié tout d'abord par l'art brut pratiqué par son oncle, réfractaire à l'enseignement des Beaux-Arts, il a emprunté une voie singulière, souvent à contre-courant. L'artiste désigne ses maîtres : Duchamp, en qui il découvre une radicalité indépassable, le Tintoret, le Greco, Zurbarán, Manet, De Chirico...

    Témoignant de ses découvertes et de ses engagements, il évoque aussi sa passion pour l'étude talmudique, sa conversion au judaïsme, ainsi que la création de La Source, association artistique dédiée aux enfants défavorisés.

  • Des histoires vraies : 63 récits Nouv.

    Publié pour la première fois en 1994 et régulièrement réédité et enrichi depuis, Des histoires vraies revient cette année pour la septième fois augmenté de six récits inédits. Sophie Calle continue à nous raconter ses histoires, dans un langage précis et sobre, avec le souci du motjuste. Tantôt légères et drôles, tantôt sérieuses, dramatiques ou cruelles, ces histoires vraies, toutes accompagnées d'une image, livrent dans un work in progress les fragments d'une vie.

  • Cet ouvrage est le catalogue de la double exposition "Picasso Rodin" présentée au musée national Picasso- Paris et au musée Rodin du 9 février au 18 juillet 2021. La confrontation du travail des deux monstres sacrés Auguste Rodin (1840-1917) et Pablo Picasso (1881-1973) révèle des points de contacts déjà connus, mais aussi des rencontres inédites.
    Les inventions formelles de ces deux artistes hors du commun marquent à leurs époques respectives des tournants dans l'art moderne. Le croisement de leur processus créatif mettra donc en lumière des convergences saisissantes qui jalonnent leurs recherches, comme l'expérimentation, le travail en séries et la perpétuelle mutation des formes. Le catalogue, illustré de plus de 350 oeuvres, permettra de découvrir un dialogue entre les deux artistes et maintes facettes de ces proximités inattendues.

  • Une biographie des frères Morozov, les grands mécènes moscovites, dont on découvrira la fabuleuse collection d'art moderne français et russe cet automne dans le cadre d'une grande exposition durant quatre mois à la Fondation Vuitton (1 million de visiteurs prévus). 

  • Artiste camerounais de renommée internationale, Barthélémy Toguo est à l'écoute du monde, dont il explore les dysfonctionnements pour mieux les dénoncer : guerres, abus de pouvoir, immigration, famine... Il nous interroge sur notre humanité, sur notre capacité à prendre conscience des désordres et des maux qui perturbent nos sociétés. Dans ses oeuvres s'exprime une grande vitalité nourrie par la révolte, l'engagement et la transgression.
    Si l'inspiration fertile de Barthélémy Toguo ne connaît pas de frontières, on ne peut ignorer qu'elle puise aussi dans des « traditions » ancestrales. Nombre de ses oeuvres - dessins, peintures, sculptures, installations, vidéos et performances - intègrent des signes récurrents qui renvoient à des pratiques, voire à des objets, qui en sont les supports.
    Cet ouvrage met en lumière ces proximités formelles ou symboliques qui marquent de manière intrinsèque les figures hybrides de l'artiste. Ainsi, créations contemporaines et objets d'arts africains anciens entrent en résonance.

  • Strip-tease : tout sur ma vie, tout sur mon art Nouv.

  • Hiroshige ; cent vues d'Edo

    Anne Sefrioui

    • Hazan
    • 21 Octobre 2020

    L'un des plus célèbres recueils d'estampes de Hiroshige, le dernier publié de son vivant, reproduit en fac-similé avec une reliure à la japonaise, sous forme de coffret prestigieux, accompagné d'un livret explicatif décrivant chacune des estampes de la suite du grand maître japonais.
    En 1855, un terrible tremblement de terre dévaste la ville d'Edo (rebaptisée Tokyo par la suite), et environ dix ans plus tard, Hiroshige (1797-1858) entreprend de dessiner les cent visages de sa ville natale. S'il restitue les changements bien réels de la cité, il y introduit aussi la projection de ses propres rêves, empreints de nostalgie. Le célèbre paysagiste donne ainsi à voir avec lyrisme les sites les plus renommés, parfois leur reconstruction récente, mais il rend compte également avec précision de la vie quotidienne des habitants, de leurs coutumes et de leur environnement. Bien que, traditionnellement, les paysages soient présentés au format horizontal, Hiroshige a choisi avec audace la verticalité pour ce recueil - le dernier publié de son vivant -, jouant avec les gros plans et les compositions originales, et confirmant ainsi son statut de maître de l'estampe ukiyo-e.

  • Ce catalogue d'exposition important dévoile ce que les représentations animalières de Francis Bacon révèlent sur l'artiste - et la condition humaine.

  • Cette série des Trente-six vues du mont Fuji, publiée En 1853 par Hiroshige (1797-1858) en format horizontal est reproduite ici en fac-similé pour la première fois en Occident: ; elle fait écho, vingt ans après, à la fameuse suite éponyme de Hokusai.
    Parmi les sites naturels, le mont Fuji, volcan sacré, est devenu un symbole du Japon. Symbole d'éternité, point culminant du Japon, omniprésent dans l'archipel, source d'inspiration pour les artistes, il fait l'objet d'un véritable culte et de légendes populaires ; Le Mont Fuji figure à l'arrière-plan de chacune des vues de cette série, sous des points de vue variés et des lumières changeantes, dominant des sites d'une beauté sublime, souvent animés par quelques personnages vivant en symbiose avec la nature.
    Cet ouvrage est disponible sous coffret avec une reliure à la japonaise.

  • Paul Cézanne : homme carré et artiste pointu Nouv.

    Qui est donc Paul Cézanne ? D'où vient-il ? De Province, de Provence ! Comment est-il connu ? Par ses oeuvres, ses paysages, ses nature-mortes, ses portraits renouvelant le genre... Pourquoi donc est-il si connu, comment s'est-il distingué durant ce siècle si riche en talents et génies ?
    « Cézanne ressemblait à un hérisson. Ses mouvements semblaient limités par une invisible carcasse. Les mots sortaient prudemment de sa bouche, marqués d'un invraisemblable accent aixois », disait Renoir.

  • Lors d'une conférence de presse au musée Van Gogh d'Amsterdam en novembre 2018, l'auteur de cet ouvrage révélait qu'une des deux seules photographies connues du peintre Vincent van Gogh était en réalité celle de son frère Theo. L'enquête qui a mené à cette découverte inattendue est truffée d'anecdotes inédites, de rencontres passionnantes et de rebondissements dignes d'un thriller.

  • Premier analyste de son oeuvre, Matisse s'est tu, obstinément, sur lui- même. Ses souvenirs, dit-il, ne le représentent pas moralement. Sa biographie s'arrête à la porte de l'atelier, où le temps s'efface au cadran de la création et cède la place aux murs empourprés, à la clarté phos- phorescente des tableaux. Mais qu'on y prenne garde, les grands aplats des rouges et des bleus, les mouvements d'une ligne désancrée et la lumière éblouissante d'une image dessinée à même la couleur, toutes ces inventions, si semblables au bonheur, ne forment pas des lieux idéaux ou sacrés mais les espaces d'un travail ininterrompu à travers lequel Matisse cherchera toute sa vie l'allégement dans la somptuosité.
    Xavier Girard nous entraîne dans cet univers dense et clair.

  • Publié à l'occasion des 20 ans de la mort de Charlotte Perriand (1903-1999), cet essai biographique illustré dresse le portrait de la conceptrice engagée, femme libre et visionnaire qui a marqué l'architecture moderne et le design du XXe siècle.
    Dans un essai très personnel, Laure Adler aborde trois facettes complémentaires de la créatrice : tout d'abord celle de la conceptrice qui développera, avec Le Corbusier et Pierre Jeanneret dans les années 1930, des meubles fondateurs du design moderne ; celle de la femme libre, engagée, sportive et aventurière ;
    Et en?n celle de la visionnaire, capable de s'inspirer de toutes les cultures, en particulier japonaise, pour développer une pensée de l'espace et de l'habitat adaptés à l'humain.
    Grâce à la richesse des archives Perriand, le récit de Laure Adler est accompagné d'une sélection de 200 photographies, dont un grand nombre ont été réalisées par Charlotte elle-même, qui donnent à voir la femme libre, indépendante et moderne qu'elle était.

  • Monet ; coffret l'essentiel

    Anne Sefrioui

    • Hazan
    • 4 Novembre 2020

    Ce coffret réunit l'essentiel de l'oeuvre d'un artiste hors du commun, Claude Monet (1840-1926), considéré par l'histoire de l'art comme le père de l'impressionnisme. Il présente, à travers un choix chronologique de cinquante tableaux, sa longue et brillante carrière. Bien qu'il n'ait pas négligé les sujets citadins et modernes, la représentation de la nature constitue indéniablement le coeur de son oeuvre. Elle a fait l'objet de ses recherches incessantes, sans que jamais l'artiste ne perde de vue ce qui lui était essentiel : la vérité de ses sensations. De la transcription fidèle du paysage, à ses débuts, jusqu'à l'écriture gestuelle des ultimes Nymphéas, l'ouvrage permet de suivre et de comprendre l'évolution de sa création.
    Ainsi seront abordées les thématiques de Monet (les bords de mer, la Seine, les jardins, les saisons, etc.), ainsi que les techniques utilisées, comme la décomposition par la touche de la lumière et des couleurs, le recours à la répétition et aux séries pour mieux rendre compte des variations atmosphériques, ou encore la dissolution progressive des formes qui a conduit à considérer Monet comme un précurseur de l'abstraction.

  • Jheronimus Bosch

    Marco Bussagli

    Une référence pour appréhender les oeuvres du peintre Jheronimus Bosch.

    Le peintre Jheronimus Bosch, dit Jérôme Bosch (vers 1450-1516), est l'une des grandes figures du mouvement des primitifs flamands. La renommée de ses compositions, où se mêlent enfer et paradis, satirique et morale, a dépassé les frontières de son pays dès son vivant. Pour autant sa biographie reste imprécise, au point que le caractère fantastique de ses tableaux a donné naissance à nombre de théories ou d'interprétations, souvent infondées.

    S'appuyant sur les travaux scientifiques et techniques les plus récents, ce livre de Marco Bussagli apporte un éclairage nouveau sur le peintre. Il guide et permet de mieux appréhender l'oeuvre de Bosch qui regorge de détails, de symboles et d'êtres fantastiques. On y apprend que des images, apparemment hermétiques à toute compréhension, s'inspirent de proverbes flamands et témoignent de la profonde dévotion religieuse du peintre. Loin de l'étiquette du peintre maudit ou hérétique, on y découvre un artiste très proche de la confrérie oecuménique à laquelle il appartenait. Cet essai illustré présente aussi des aspects inédits, en particulier l'influence de Bosch sur de nombreux peintres, de Raphaël à Escher, en passant par Magritte ou Dalí. En regard des reproductions de ses oeuvres, des détails très agrandis et commentés mettent en évidence de nombreux aspects qui n'avaient jusque là jamais été traités.

  • Auguste Renoir : le plaisir et la liberté Nouv.

    Pierre-Auguste entre apprenti en 1854, il n'a que 13 ans, dans l'atelier de porcelaine de Messieurs Levy frères & Compagnie. Très vite, lorsque l'on se rend compte que ce gamin peint à merveille des guirlandes sur tasses et soucoupes comme il y peint d'irréprochables boutons de rose, on n'hésite pas à lui confier d'autres décors, d'autres sujets. Pierre-Auguste les exécute avec une habileté remarquable. C'est en novembre 1861, alors âgé de 20 ans, que Renoir fait son entrée dans l'atelier du peintre et professeur Charles Gleyre.

    Chaque titre de la collection est composé d'un livre d'art présentant les oeuvres les plus emblématiques de l'artiste. Il est accompagné d'une narration sonore en CD audio et en ligne, une biographie illustrée d'anecdotes, citations, extraits de lettres qui nous invitent à découvrir l'univers du peintre, l'atmosphère de son époque, ses rencontres, ses errements ainsi que ses aspirations : Une vie d'Artiste.

  • Ce coffret réunit l'essentiel de l'oeuvre d'un artiste hors du commun qui a fait sienne cette devise de la Sécession viennoise toujours aussi forte et intemporelle : « À chaque époque son art. À l'art sa liberté.
    Quand est créé ce mouvement en 1897, Klimt a trente-cinq ans. Il est en pleine maturité, et pour lui c'est un tournant. Ce fils de doreur né dans un faubourg viennois, qui a appris peinture et dessin ornemental dans une école d'arts appliqués, qui est déjà l'auteur de décors, adhère aux principes de ce Sezessionsstil : se détourner du conservatisme, puiser dans des sources d'inspiration inédites, bannir la hiérarchie entre beaux-arts et arts mineurs, s'allier à l'architecture. En bref, élaborer un art nouveau - comme dans le reste de l'Europe.
    À Vienne, dans cette capitale cosmopolite de l'Empire austro-hongrois, instable et décadente, Klimt développe stylisation, arabesque et profusion décorative, avec comme sujet presque unique le corps féminin, à l'érotisme obsédant. Entre portraits mondains, allégories et paysages, entre peintures de chevalet et décors privés, ses oeuvres sont devenues l'un des emblèmes de la modernité viennoise.

  • Vingt ans après la première exposition qu'elle lui a consacrée, la Fondation Cartier pour l'art contemporain invite à nouveau l'artiste américaine Sarah Sze à créer une exposition immersive dialoguant avec les espaces transparents du bâtiment de Jean Nouvel. Internationalement reconnue pour son oeuvre défiant les frontières entre peinture, installation et architecture, Sarah Sze assemble des objets du quotidien et des images en mouvement dans des installations sculpturales d'une étonnante délicatesse et complexité. Présentant de nombreuses vues de l'exposition, le catalogue publié par la Fondation Cartier retrace la création des deux oeuvres conçues spécialement par Sarah Sze pour l'exposition, composées d'objets, de lumières, de sons, de vidéos et d'images fixes. Un texte de Bruno Latour, une conversation entre Jean Nouvel et Sarah Sze ainsi qu'un texte de la commissaire de l'exposition explorent les références qui se trouvent au coeur du travail de l'artiste et analysent sa préoccupation pour la prolifération des images qui transforment notre relation aux objets, à l'espace et au temps. L'exposition est présentée du 18 octobre 2020 au 15 mars 2021.

  • Ousmane Show : catalogue raisonné Nouv.

    Du succès de son exposition sur le pont des Arts à Paris en 1999 jusqu'à l'Académie des beaux beaux-arts où il fait son entrée en 2013, Ousmane Sow a connu une carrière, aussi courte que fulgurante, n'acceptant de montrer ses oeuvres qu'à l'âge de cinquante ans. Décédé en 2016, il laisse cependant derrière lui plus d'une centaine de sculptures originales et presque autant de pièces en bronze. Pour rendre mémoire à cette création, il fallait un catalogue raisonné qui recense les caractéristiques de ses oeuvres, depuis leur date de fabrication jusqu'à leur localisation, en passant par les lieux où elles furent exposées. Ce catalogue raisonné est publié à l'occasion de l'installation de la série épique Little Bighorn dans le fort militaire de Mont Mont-Dauphin (Hautes Hautes-Alpes).

  • « Spilliaert et moi sommes frères de noir. Ce qui nous différencie, c'est qu'il a du talent, une oeuvre et une moustache.
    Ses paysages sont des asiles, ses portraits, les effigies de nos âmes sombres. Avec ses natures mortes, il transcende le réel et rend le banal fantastique.
    C'est un alchimiste : de la boue et la sombreur, il fait du sublime.
    Spilliaert donne du panache au spleen.
    Pour le côtoyer davantage, j'ai voulu écrire sur lui en partant sur ses traces.
    Ostende, Bruxelles, Paris.
    Ce n'était pas si loin.
    J'espère que vous prendrez le même plaisir que moi à faire sa connaissance. » E. B.

  • Albrecht Dürer est l'un des artistes les plus importants et les plus influents de la Renaissance dans les pays du Nord. Peintre, graveur et théoricien, il connaissait les grands artistes de son temps, tels Raphaël, Bellini et Léonard de Vinci. Son immense savoir-faire et son grand talent de dessinateur se manifestèrent très tôt - comme dans l'autoportrait qu'il réalisa à la pointe d'argent en 1484, alors qu'il avait tout juste treize ans. Ayant pour mécène l'empereur Maximilien Ier, Dürer réalisa un grand nombre de gravures et de retables, mais aussi des portraits, autoportraits, aquarelles et livres. L'introduction de motifs antiques dans l'art du Nord, à laquelle il procéda en s'appuyant sur sa connaissance des artistes italiens et des humanistes allemands, lui valut la réputation d'être la figure majeure de la Renaissance allemande.
    Till-Holger Borchert décrit, par le menu, les peintures, dessins et gravures tout en proposant des analyses claires et accessibles. Dürer par le détail montre l'oeuvre de ce maître allemand comme on ne l'a jamais vue, dans des détails magnifiques présentés en pleine page.

  • Après la première édition parue en 2008 aux éditions Hazan, les trois volumes réunis des Cent vues du Mont Fuji (avec reliure à la japonaise) sont à nouveau disponibles dans un coffret remanié, accompagné d'un livret explicatif qui retrace l'histoire technique et artistique des « Cent Vues », dont chacune est reproduite séparément avec les indications qu'elle comporte.

    Expression de son génie de dessinateur et d'observateur habité par la beauté multiple du monde, les trois volumes des Cent vues du Fuji gravés entre 1834 et 1840, constituent l'une des oeuvres les plus célèbres de Hokusai. Non seulement chaque composition - c'est-à-dire chaque page - est d'une inspiration renouvelée et surprenante, mais la force de l'amour quasi mystique qui lie l'homme et la montagne touche notre émotion et surprend nos conceptions esthétiques.

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