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Histoire de la peinture
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Paris Moderne, 1914-1945 : Art, Design, Architecture, Photographie, Littérature, Cinéma, Mode
Jean-Louis Cohen, Guillemette Morel Journel
- Flammarion
- Beaux Livres Flammarion
- 4 Octobre 2023
- 9782080264268
En paix ou en guerre, le Paris de la première moitié du XX? siècle vibre d'énergie fébrile. Les imaginations les plus débridées s'expriment dans des formes nouvelles dont les créateurs viennent de l'Europe entière. Le défi de l'industrie et les attentes du marché nourrissent l'architecture et l'ensemble des disciplines artistiques, qui donnent son visage quotidien à une ville délibérément moderne. Ce foisonnement est retracé selon le principe d'un dictionnaire, de la lettre «A», comme la photographe Laure Albin-Guillot, à la lettre «Z», comme le critique d'art Christian Zervos, en passant par Josephine Baker, Marcel Carné, Coco Chanel, Le Corbusier, Fernand Léger, Adolf Loos, Charlotte Perriand, Helena Rubinstein ou Tristan Tzara. Près de cent entrées composent un portrait sous forme de kaléidoscope amplement illustré. Un reportage photographique d'Antonio Martinelli donne à voir ce que le paysage architectural et urbain d'aujourd'hui révèle du Paris d'il y a cent ans. J-L. C., G.M.J.
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La très importante rétrospective Nicolas de Staël qui se déroule, du 15 septembre 2023 au 21 janvier 2024, au Musée d'Art Moderne de Paris nous incite à rendre plus accessible encore l'unique recueil de ses lettres complètes, publié pour la première fois en 2014 et réimprimé dans une édition augmentée en 2016. C'est l'intégralité de ce volume qui est ici repris, sous une forme plus compacte grâce au papier plus fin mais tout aussi lisible, avec en annexe quatre lettres inédites au critique Georges Duthuit qui ont été retrouvées depuis. Sur la vie d'un artiste de cette importance, les lettres constituent un témoignage aussi capital, aussi passionnant que le sont par exemple celles de Van Gogh à son frère Théo et à ses proches. Ce qu'écrivait André Chastel dès leur première publication en 1968 : « Le public ignore en général l'ampleur et l'intérêt exceptionnel de cette correspondance qui [...] livre en quelque sorte l'autobiographie du peintre, dans le rythme même du vécu, dont aucun récit ne serait capable de restituer la puissance et la fierté » est non seulement toujours vrai, mais l'est même davantage encore car le corpus dont parlait l'historien s'est depuis enrichi de plus de 200 lettres inédites, dont une grande part de celles à Françoise Chapouton, sa deuxième épouse, et surtout toutes les lettres conservées par Jeanne Polge, pour laquelle le peintre éprouva une passion dévorante et qui éclairent d'une lumière nouvelle ses dernières années. L'appareil critique de Germain Viatte, ancien directeur du Musée national d'art moderne, permet de comprendre le contexte dans lequel les lettres sont écrites et par conséquent de lire ce livre comme la plus complète et éclairante des biographies. Le texte de Thomas Augais, qui vient en postface, souligne à juste titre combien l'écriture a tenu une grande place dans la vie du peintre, et quels furent ses rapports à la poésie.
C'est Staël dans son agitation, ses voyages, ses conflits, ses professions de foi, ses violences, ses hésitations... On y trouve aussi bien le récit des années de formation en Espagne et au Maroc que, dans la période des « lettres d'affaire », lorsque la gloire est venue, le dialogue avec des personnalités comme René Char, Pierre Lecuire ou Paul Rosenberg. Comme le résumait parfaitement Chastel : « Les lettres apportent donc tout ce qu'on a besoin de savoir - et au-delà - de Nicolas de Staël. Elles font paraître et parfois scintiller la constellation de personnes, de noms, d'intérêts, de curiosités qui accompagne, avec des changements nombreux et des évanouissements passagers, le parcours d'un être fort. » -
Le bouquet dans la peinture
Joséphine Le Foll
- Citadelles & mazenod
- Coup De Coeur
- 20 Septembre 2023
- 9782850889363
LE LIVRESi de nos jours, rien n'est plus banal que des fleurs dans un vase, cet usage est longtemps reste me connu en Occident.
Si les premiers objets spe cifiquement conc us et fabrique s pour contenir un bouquet datent de la fin du XVIe sie cle, l'image du vase rempli de fleurs coupe es est bien plus ancienne. Elle est invente e au XIIIe sie cle, dans un contexte sacre , pour repre senter l'irrepre sentable : l'incarnation du fils de Dieu dans le corps d'une jeune fille vierge. La puissance conceptuelle et symbolique de ce « contenant fleuri » va permettre sa reprise dans la sphe re profane, dans le portrait et la nature morte en particulier, sa signification s'adaptant sans perdre la valeur originelle de son contenu the ologique. Par un hasard qui n'en est peut-e tre pas un, c'est au moment ou l'usage de mettre des fleurs coupe es dans un vase commence a e tre mieux documente , c'est-a -dire au sie cle des Lumie res alors que le sentiment religieux re gresse, qu'un peintre comme Chardin entreprend de peindre un bouquet tel qu'il le voit et non plus avec les « yeux de l'esprit ». Mais il faudra attendre l'e poque des impressionnistes et du de veloppement de l'horticulture, pour que les artistes commencent a reproduire sur la toile le bouquet « re el », place devant leur chevalet. Repris sans discontinuite depuis le XVIIe sie cle et jusqu'en ce troisie me mille naire, le motif re ve le la puissance d'un attrait que ne peut justifier la traditionnelle et moraliste interpre tation de symbole de vanite et du caracte re e phe me re de l'existence. Invente e pour figurer le myste re d'une gestation, l'image du vase de fleurs est devenue la me taphore d'une cre ativite inte rieure, fe conde et vivante. -
L'art et la table
Patrick Rambourg
- Citadelles & mazenod
- Coup De Coeur
- 20 Septembre 2023
- 9782850889431
LE LIVREA travers une promenade a la fois the matique et chronologique, ce volume offre une synthe se savante, de taille e et pe dagogique des traditions et pratiques gastronomiques de l'Occident, de l'Antiquite au xxe sie cle. Images d'art superbement reproduites - fresques, de cors de vaisselle, enluminures, gravures, tapisseries et tableaux - et textes d'e poque, guident l'expose de l'histoire de la table et de la cuisine, de leur lente lai cisation, de leur tension continue entre ne cessaire repas et fastueux spectacle. Chaque e poque a construit l'image de ses tables et de ses mets, reflet de son identite et de ses ide aux : l'art, a travers les sie cles, a conserve ces repre sentations gastronomiques, en a fait un genre, un document pour l'historien et une source de fantaisie pour l'artiste. C'est l'histoire de cette fructueuse et savoureuse rencontre entre l'art, la cuisine et la table que Patrick Rambourg raconte et documente avec passion. De la Me sopotamie antique aux avant-gardes de l'« Eat Art », les pratiques et les rites, l'ordinaire des jours et les festins exceptionnels, le maigre et le gras, la nourriture sacre e et les de lices de gourmandise sont de voile s et richement illustre s.
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Elles étaient peintres : XIXe - début du XXe siècle
Martine Lacas
- Seuil
- 10 Novembre 2022
- 9782021479461
Du début du XIXe siècle, tout juste sorti de la Révolution française, jusqu'à la violente rupture de la Première Guerre mondiale, un long siècle de création picturale s'écoule qui voit émerger, croître et se métamorphoser l'espace de production artistique de la modernité. Cet ouvrage se propose de le parcourir en compagnie d'artistes dont l'histoire de l'art a négligé les oeuvres jusqu'à une période récente : les peintres femmes.
Du phénomène inédit de féminisation du Salon officiel sous le Consulat et la Restauration à l'afflux des artistes nordiques, britanniques, russes et américaines sur la scène parisienne à l'aube du XXe siècle, des ultimes débats sur l'ancestrale hiérarchie des genres picturaux au surgissement accéléré des avant-gardes, de la multiplication des ateliers de jeunes femmes au seuil du XIXe siècle aux premières diplômées de l'École des beaux-arts au début du XXe siècle, la période déploie une scène où il nous appartient désormais de les voir et de les entendre jouer, elles aussi, leur rôle d'artiste tel qu'elles s'en emparèrent concrètement, personnellement dans et avec leur temps. -
Francis Bacon ; la France et Monaco
Collectif, Martin Harrison
- Albin michel
- 22 Juin 2016
- 9782226321442
C'est à Paris, lors d'une exposition consacrée à Picasso en 1927, que Francis Bacon prend la mesure de sa vocation de peintre.
En 1946, il part s'installer pour quatre ans sur la Côte d'Azur, à Monaco. Son séjour dans la Principauté marquera un tournant dans son art : avec sa série de « papes », il sera désormais le peintre de la figure humaine.
C'est également à Paris qu'il noue des amitiés avec nombre d'artistes et d'intellectuels, comme Giacometi ou Leiris, et qu'il connaît sa consécration en 1971 avec la rétrospective au Grand Palais. En 1975, il prend même un pied-à-terre dans le Marais.
Ce livre raconte les liens intimes de Bacon avec la France et Monaco. -
Vermeer & la peinture hollandaise du XVIIe siècle
Kristina Menzel
- Place des victoires
- Les Carres D'art
- 18 Avril 2017
- 9782809913903
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Après les Haïkus du temps qui passe illustrés par Hokusai, ce nouveau volume des "Classiques en images" renoue avec la tradition du poème court japonais : 58 haïkus de Basho, Buson, Chiyo-Ni, Dakotsu, Issa, J¿s¿, Kyorai, Ryokan, Ry¿ta, Shiki, Shusai, Teishitsu... choisis pour montrer la beauté de paysages réalistes ou imaginaires à travers différentes saisons, les lieux, les états d'âme, la vie au jour le jour... Un recueil qui nous entraîne, sous le pinceau d'Hokusai, grâce à une représentation du monde vivant douce et poétique, dans une belle rêverie.
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S'il est souvent associé au mouvement impressionniste, Paul Cézanne (1839-1906) s'en détache pourtant rapidement. Ses recherches esthétiques sur les volumes, la perspective, les formes et les couleurs, à travers de nombreuses peintures mortes, mais aussi les paysages de sa Provence natale, l'amènent progressivement vers l'abstraction et font de lui un précurseur de l'art moderne. Découvrez l'évolution d'un peintre qui a su transposer en peinture sa vision unique du monde.
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Cet ouvrage, dans le prolongement de l'exposition et du colloque qui l'accompagne, permet de cerner au plus près une intuition forte de Kandinsky : la synthèse des arts. Le peintre pressent en effet une union organique entre ces trois arts majeurs que sont la peinture, la poésie et la musique. Son album Résonances (Klänge), réalisé en 1913, et dont le présent livre reproduit les gravures originales ou les fac-similés, en fait la puissante démonstration : Kandinsky y met ses poèmes, qu'ils expriment les tréfonds de sa vie intérieure ou les réalités du monde extérieur, en relation avec son inspiration picturale, nourrie pour une bonne part, à cette époque, de thèmes bibliques et apocalyptiques. Manier la plume ou le pinceau sont les tenants d'une seule et même quête spirituelle. Poèmes et tableaux se répondent dans ces pages où il y a autant à lire qu'à regarder. Les contributions collectées soulignent, dans leurs approches respectives, combien Kandinsky inlassablement poursuit ses recherches vers l'abstraction. Dans le contexte très chahuté au début des années 1910, l'art paraît une réponse, une voie possible face au drame de la condition humaine.
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« Les mots sont des béquilles qui permettent de faire un petit bout de chemin en direction de l'oeuvre. Dans un premier temps, ils peuvent servir à ouvrir les yeux enlisés dans des habitudes, montrer que l'on voit davantage avec ce que l'on a dans la tête que devant les yeux. Mais la plus grande partie du chemin reste hors de leur portée, puisque l'art, justement, est au-delà. » Outrenoir, entretiens avec Françoise Jaunin, 2012 Pierre Soulages est né le 24 décembre 1919 à Rodez.
Très jeune il est attiré par l'art roman et la préhistoire.
Ce n'est qu'en 1946 qu'il peut consacrer tout son temps à la peinture. Ses toiles où le noir domine sont abstraites et sombres. Elles sont aussitôt remarquées tant elles diffèrent de la peinture demi-figurative et très colorée de l'après-guerre. D'autres oeuvres sont apparues où rythme, espace et lumière naissent des contacts violents du noir et du blanc sur l'entière surface de la toile, une autre lumière picturale.
En 2007, le Musée Fabre de Montpellier lui consacre une salle pour présenter la donation faite par le peintre à la ville.
Attaché à sa terre natale, Soulages consent, en 2005, avec son épouse Colette, à une donation exceptionnelle à la Communauté d'agglomération du Grand Rodez. Le musée Soulages à Rodez est inauguré en mai 2014.
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Lors de sa première parution en 2005, ce livre s'est rapidement imposé comme un ouvrage de référence. Il a contribué à la reconnaissance du graphisme comme un domaine de création majeur en France. Si cette discipline a vu le jour grâce à la typographie, son champ d'action s'est élargi à l'affiche, l'édition, la presse, la construction d'une identité visuelle, la signalétique, l'habillage télévisuel, le web... Le graphisme dialogue aujourd'hui avec l'architecture, les arts plastiques, le design, la mode, la musique, l'audiovisuel et le numérique. La nouvelle édition de ce livre, riche de plus de 1000 illustrations, est augmentée d'un chapitre sur les années 2005-2020 qui témoigne de l'extraordinaire vitalité de la création graphique française de ces dernières années.
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Maître incontesté du Siècle d'or néerlandais, Rembrandt (1606-1669) a profondément marqué l'art occidental par sa peinture et sa gravure. Ce scrutateur infatigable de l'âme humaine doublé d'un technicien de génie a su, grâce à son inimitable clair-obscur, insuffler force, mystère et profondeur à ses portraits, scènes bibliques ou historiques.
Cet ouvrage vous invite à découvrir l'oeuvre prolifique de ce virtuose de la lumière, emblème éclatant du baroque.
La vie de Rembrandt est à l'image de la technique picturale qui a fait sa célébrité.
Claire d'abord : ce fils de grands bourgeois délaisse rapidement ses études de philosophie pour se consacrer à la peinture et à l'eau-forte ; s'installant bien vite dans un atelier avec son ami Jan Lievens, multipliant les élèves, il est repéré rapidement par un riche négociant d'art, Hendrick van Uylenburgh, qui lui présente sa future femme, Saskia. A cette époque, les commandes croulent et le ménage vit dans l'aisance.
Obscure ensuite : après la mort de trois de ses enfants, Saskia est elle-même emportée par la phtisie, alors que La Ronde de nuit reçoit un accueil froid de la part des commanditaires. D'année en année, ses dettes s'accumulent, ses concubinages successifs avec ses servantes lui valent le blâme des bourgeois et de l'Église ainsi qu'un procès.
Son génie et son succès artistique ne se sont quant à eux toutefois jamais affaiblis. On célèbre ses portraits (collectifs, comme La Ronde de nuit, Leçon d'anatomie du docteur Tulp ; intimes, comme ses autoportraits) comme ses scènes bibliques (Bethsabée au bain tenant la lettre de David) pour leurs jeux de contraste qui attire le regard, pour l'humanité qui en ressort.
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Lettrist corpus: ephemera : flyers, posters, invites, manifestos 1946-2023
Frédéric Acquaviva
- Marval
- 11 Octobre 2023
- 9782862344782
Initié en 1946 par Isidore Isou (1925-2007) - accueillant des personnalités telles que Gabriel Pomerand, François Dufrêne (qui rejoindra les Nouveaux Réalistes), Gil J. Wolman, Maurice Lemaître ou encore Guy Debord (qui fondera l'Internationale Situationniste) - le lettrisme est ce mouvement fascinant de création généralisée, qui tenta de bouleverser aussi bien la poésie que l'art plastique, le cinéma, le théâtre, l'économie, le roman, les sciences ou la philosophie.
Paradoxalement, l'énorme quantité de documents produite tous azimuts par le groupe pendant des décennies aura contribué à leur invisibilité. Grâce à un choix éclairé, cet ouvrage contourne le problème de leur rareté (conservés dans des institutions privées, ou proposés en vente à des prix « stratosphériques »), et révèle à un public nouveau et curieux l'importance de cette avant-garde oubliée, chaînon manquant entre dadaïsme, surréalisme... et poésies sonore, concrète, art conceptuel et Internationale situationniste.
Pour cet ouvrage, un choix a été opéré entre les milliers d'affiches, cartons d'invitations, pamphlets et manifestes imprimés par le groupe lettriste de 1946 à nos jours. Pas moins de 600 documents les plus significatifs - sélectionnés selon une approche scientifique et rigoureuse par Frédéric Acquaviva - sont reproduits et assortis de notes en langue anglaise afin d'en préciser le contexte, soit plus de 500 pages illustrées. Par ailleurs, en fin d'ouvrage, suit une liste complémentaire d'un millier de documents classés par ordre chronologique.
Cette base de données, véritable "mine d'or" pour la pensée, rend enfin accessibles les concepts originaux et inédits des lettristes, où l'art de l'insulte se mêle aux propositions de bouleversement concret de la société, dans ses dimensions poétiques, plastiques, politiques et utopiques. -
L'oeuvre monumental de Picasso est parcouru depuis ses premiers dessins d'enfant jusqu'à ses dernières gravures par deux figures essentielles : celle de la femme et celle du taureau. Or les productions de Picasso qui leur sont liées commencent à pâtir injustement de sa réputation d'amant violent et d'aficionado convaincu.
Ces condamnations témoignent d'un parti pris réducteur et la personnalité complexe comme l'oeuvre de Picasso méritent un examen plus approfondi que la caricature.
Bien que les deux motifs - femme et taureau - se trouvent souvent associés chez Picasso, l'étude du double sujet n'a encore jamais été conduite. Elle permet pourtant de déconstruire les idées reçues à leur propos.
En réalité, leur représentation a changé selon le cours de l'Histoire, la vie de l'artiste, son esthétique, son idéologie. Pour éclairer les oeuvres et en prendre la mesure, leur contextualisation biographique et historique s'avère donc nécessaire. -
Seul dans son atelier d'Antibes, face à la mer, Nicolas de Staël entame, le 14 mars 1955, une toile géante de 3,5 m sur 6 m : Le Concert. On y voit d'un côté, un piano à queue noir et, de l'autre, une contrebasse ocre, séparés par des partitions posées sur des pupitres. Mais ce qui frappe c'est le fond de la composition qui mange tout le tableau : un vermillon écarlate, comme un grand rideau de scène incandescent. Deux jours plus tard, Nicolas brûle quelques papiers, écrit trois lettres, monte sur la terrasse de son atelier et bascule dans le vide. Dans ce gigantesque tableau, dans ces deux instruments de musique - les seuls visibles de cet orchestre -, dans ce rouge de feu se trouve sans doute, enfouie, l'explication de son geste.
Nicolas de Staël a quarante et un an lorsqu'il peint Le Concert. Après dix ans de souffrances et de privations, il connaît enfin, depuis quelques mois, un réel succès.
L'auteur a reconstitué les derniers jours du peintre et analysé comment sont peu à peu montées en lui, jusqu'à l'insupportable, une angoisse de vivre mêlée à une insatisfaction de plus en plus grande devant son travail et à un douloureux déchirement amoureux.
Cet ouvrage propose une nouvelle édition révisée du livre Le Concert paru en 2010 aux éditions Sens&Tonka, aujourd'hui épuisé.
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Poésie de coeur et poésie de cour, cette anthologie célèbre les quatre siècles fondateurs de la poésie française, du x??? au x?? siècle, de Guillaume IX d'Aquitaine à François Villon en passant par la comtesse de Die, Ruteboeuf, Christine de Pizan ou encore Charles d'Orléans.
« On doit au Moyen Âge, écrit Michel Zink dans sa préface, d'avoir tissé le lien indissoluble entre la poésie et l'amour. » Le soupirant rend hommage à sa dame par un poème parfait, stylisé et achevé, il transcende son amour par l'écriture. Ce faisant, ce Moyen Âge poétique invente l'amour courtois. Amants souffrant du mal d'amour, dames lointaines et messagers confidents contribuent à transformer les relations amoureuses à travers l'Europe et marquent durablement l'imaginaire de notre civilisation.
Troubadours et trouvères choisirent de composer dans leur langue maternelle, en langue d'oc et en langue d'oïl. Ils offrent ainsi leurs lettres de noblesse à une lyrique en langue vulgaire, c'est la naissance de la poésie moderne. Chaque poème est publié dans sa traduction en français moderne et dans sa version originale.
Une liberté d'esprit et un appétit de vivre saisissants émanent de cette production poétique. Par son humanité, sa tendresse et son humour, cette célébration de l'amour, de la vie et de la nature nous touche et nous inspire.
Si le gothique flamboyant des XIV? au XV? siècle évoque la monumentalité des cathédrales, il fait éclore des trésors d'art d'un tout autre genre, moins ostensibles, mais tout aussi sublimes : les peintures de manuscrits. Objet rare et recherché avec ses peintures magistrales, ses lettrines rehaussées d'or, ses reliures en ivoire, en or ou en velours, le manuscrit enluminé sort du strict cadre clérical.
Épris de luxe et d'éclat, princes et riches mécènes passent des commandes fastueuses, comme le Livre du Coeur d'Amour épris de Barthélemy d'Eyck, ou encore Les très riches heures du duc de Berry. Les artistes rivalisent de minutie et de délicatesse dans le rendu de la lumière, des proportions ou des perspectives qui annoncent déjà la Renaissance.
Ces trésors méconnus, conservés à cause de leur fragilité dans les fonds des bibliothèques et musées, sont ici dévoilés. Notre publication crée, à partir d'une sélection de 200 miniatures, de véritables tableaux, reproduits en de puissantes pleines pages. Un spectacle exceptionnel !
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Les avant-gardes artistiques 1848-1918 ; une histoire transnationnale
Béatrice Joyeux-Prunel
- Folio
- Folio Histoire
- 1 Janvier 2016
- 9782070342747
Une histoire globale des avant-gardes picturales se doit d'expliquer pourquoi celles-ci apparurent en certains endroits et pas en d'autres, comment elles circulaient entre les pays et les capitales, ce qui les portait et si elles rompaient réellement avec leur temps, sachant que la plupart finirent par connaître une véritable canonisation.
Les avant-gardes lièrent leur sort au développement des journaux et des revues, c'est-à-dire à celui des techniques d'impression et de reproduction en série. Elles profitèrent également d'un vaste mouvement de circulation des idées, des hommes et des objets avec le développement des réseaux ferrés et des transports maritimes.
Dans le même temps se forgeaient les identités nationales, férues de tradition et de préservation des cultures. L'approche géopolitique met au jour ce processus par lequel les plasticiens novateurs recoururent à la référence étrangère pour s'opposer aux institutions nationales, travaillèrent à internationaliser leurs réputations pour mieux s'imposer contre le refus de l'innovation porté par le nationalisme, ou, au contraire, se laisser récupérer par des partis nationalistes et révolutionnaires.
Mais à côté des stratégies, réseaux et marchés, place est faite à l'analyse du contexte culturel et moral, économique et politique, matériel et social, affectif et spirituel des artistes des avant-gardes à partir de 1848. Jusqu'à la rupture de 1920, quand ces avant-gardes deviennent politiques, plaçant l'avenir de l'art dans celui de la Révolution.
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Prince des Ténèbres, Porteur de Lumière ou Roi des Enfer, le Diable a autant de noms que de visages. Mais où est passé le monstre aux yeux exorbités, aux cornes d'ébène et à la gueule pestilentielle, la Bête vers qui convergent toutes les déchéances et les déviances du genre humain ?
Grâce à une lecture brillante des textes et des images de la Renaissance et du Moyen Âge, Daniel Arasse décrit l'irrésistible essor du Diable et révèle comment la culture humaniste a combattu cette ténébreuse créature médiévale pour la reléguer au rang de superstition.
Pourtant, aujourd'hui, comme hier, Satan continue de hanter l'esprit des hommes. Mais depuis, nous lui avons prêté notre visage, nos habitudes, il est devenu une métaphore du « mal » qui ronge le coeur de l'humanité.
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Cet ouvrage sur l'âge d'or danois est une invitation à découvrir un courant pictural singulier et attachant, sans équivalent alors en Europe. Plus de deux cents oeuvres de peintres phares - comme Eckersberg, Købke, ou Rørbye - illustrent cette période artistique florissante comprise entre 1801 et 1864. Si leurs tableaux témoignent de l'identité politique, économique et culturelle du Danemark au XIXe siècle, ils se distinguent aussi par leurs sujets intimes : réunions familiales, modestes coins de nature, artistes dans leurs ateliers ou en voyage...
À la lumière des recherches effectuées au cours des dernières décennies, cette synthèse inédite propose un nouvel éclairage sur l'âge d'or de la peinture danoise.
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Camille Pissarro (1830-1903) est un peintre incontournable du mouvement impressionniste. Grand coloriste, l'artiste est un maître incontesté de la lumière. Doté d'une sensibilité saisissante à la nature, il trouve son inspiration avant tout dans les thèmes champêtres. Champs et villages, animés parfois de silhouettes de paysans, nous donnent une vision idéalisée de la vie rurale du xixe siècle dont Pissarro n'a pourtant pas manqué de représenter l'industrialisation rapide en peignant les ports du Havre, de Dieppe ou encore de Rouen.
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L'abstraction
Arnauld Pierre, Pascal Rousseau
- Citadelles & mazenod
- Les Grands Mouv
- 14 Avril 2021
- 9782850888571
LE LIVRE L'émergence de l'abstraction au début du XXe siècle a mené à un changement total de paradigme. Cet ouvrage vise à retracer l'épopée de ces oeuvres qui s'émancipent du réel et la rupture majeure auquel cela a conduit en histoire de l'art.
NI absence du monde, ni sacrifice de la signification, l'abstraction vise un langage universel, en lien étroit avec les mutations technologiques de la société portées par les nouveaux médias, de la photographie au cinéma jusqu'à la vidéo et la révolution des cultures numériques.
Ce champ élargi des pratiques de l'art abstrait oblige à repenser la géographie globale de son histoire et de ses développements, en prenant en compte les circulations mondiales de cette aventure de l'esprit et des fomes.
Des aquarelles de William Turner aux expérimentations cybernétiques dans l'art contemporain, ce voyage en abstraction montre à l'échelle internationale - de l'Europe au Japon en passant par l'Amérique latine et les États Unis - la pluralité des formes, des pratiques et des concepts qui ont nourri cette quête. -
Connaissance des arts Hors-Série : Manet/Degas
Collectif
- Connaissance des arts
- Connaissance Des Arts
- 5 Avril 2023
- 9782758011736
Cette exposition confronte l'oeuvre de 2 monstres sacrés du XIXe siècle : Edouard Manet (1832-1883) et Edgar Degas (1834-1917). Précurseur de la peinture moderne, qu'il affranchit de l'académisme, Manet est considéré à tort comme un impressionniste : il s'en distingue par une facture soucieuse du réel qui n'utilise pas ou peu les nouvelles techniques de la couleur et le traitement particulier de la lumière. Il s'en rapproche cependant par certains thèmes récurrents comme les portraits, les paysages marins, la vie parisienne ou encore les natures mortes. Degas, est un des membres fondateurs du groupe des impressionnistes. Cependant son oeuvre est si variée par ses thèmes et sa pratique qu'il ne les rejoint pas dans leurs traits les plus connus... Manet et Degas se sont rencontrés au Louvre en 1862.
