Si l'étranger a connu le lieu du « tîgban » c'est que les gens du village le lui ont montré (Proverbe moba)
De 1991 à 2023, Pierre Amrouche a sillonné le pays Moba, recueillant documents et photos. Ce livre est la somme de la culture Moba. Situé à l'extrême nord du Togo et du Ghana, le pays Moba s'annonce par un plateau entaillé de nombreuses vallées, et se fond ensuite dans l'immense plaine voltaïque. Les Moba occupent cette région de savane arborée, parsemée de collines rocheuses, où domine le baobab. L'ethnie se rattache au groupe principal Gourma, venu par vagues de migrations du Burkina-Faso. La société Moba est essentiellement rurale ; leur habitat est dispersé autour d'une demeure principale composée d'un enclos délimité par la réunion de cases circulaires édifiées en banco et couvertes en chaume. La culture du mil et du sorgho assure la subsistance des Moba, ainsi que l'élevage des petits animaux. On distingue trois types de sculptures anthropomorphes, toutes désignées sous le terme de Tchitchiri. Elles représentent soit des ancêtres précis, identifiés dans la généalogie d'une famille ou d'un clan, soit des ancêtres non identifiés pris au sens large d'humains. Chaque type de statues a une fonction particulière. Le style varie peu, aisément identifiable : il se caractérise par une sculpture puissante et abstraite, toute en verticalité longiligne. Les Moba utilisent aussi des anneaux de bronze et de cuivre qu'ils portent de préférence en pendentif ; ceux-ci sont hérissés de pointes symbolisant les rayons solaires. Qu'il soit considéré comme religieux ou plus largement comme social, l'art Moba est avant tout utilitaire ; l'artiste Moba excelle dans le rôle qui lui est dévolu : en exprimer le plus en montrant le moins, bref aller à l'essentiel.
Un voyage fascinant dans la culture camerounaise
Art of the Cameroon Grasslands nous offre, à travers la collection Weis, et grâce à des textes de Peter Weis et de Bettina von Lintig ainsi qu'à une contribution de Michael Oehrl un aperçu d'ensemble de la créativité artistique des Hautes Terres de l'Ouest camerounais. Une grande partie de la production des groupes ethniques qui y vivent se caractérise, à la différence d'autres régions d'Afrique, par sa diversité, son dynamisme, sa démesure, voire sa violence débridée. Certaines pièces, toutefois, irradient la quiétude et l'harmonie, offrant à qui les regarde un plaisir visuel peu commun. Des siècles durant, royaumes et gouvernants de cette région ont rivalisé, que ce soit à des fins culturelles, profanes ou de prestige, pour créer des oeuvres d'art, novatrices ou s'inscrivant au contraire dans la plus pure tradition, et qui reflètent de ce fait les structures du pouvoir et de la société - une question que les textes et les descriptifs du présent ouvrage traitent de façon détaillée.
La collection Weis couvre un large spectre d'objets, aux usages les plus divers. Elle inclut des objets du quotidien, ou relevant de l'art populaire, ou encore des objets rituels ou cultuels tels que figures magiques ou commémoratives, masques, poteaux, portes de palais, objets figuratifs, instruments de musique, pipes ou hanaps. L'introduction aborde, en les illustrant de nombreuses photos de terrain, d'importants aspects du développement culturel et artistique de chacune des régions d'origine des objets, y compris dans le contexte de la colonisation européenne. Le texte qui suit est consacré aux oeuvres d'art ornées de perles, sujet encore peu étudié à ce jour. Par ailleurs, les Hautes Terres de l'Ouest faisant partie d'une aire culturelle plus vaste, l'ouvrage présente également des objets provenant de groupes ethniques voisins, apportant un éclairage précieux sur des interactions et échanges artistiques pluriséculaires.
A travers l'art bouddhiste en général et la sculpture de Bhârhut en particulier, Coomaraswamy analyse les principaux motifs ornementaux et symboliques et les met en relation avec l'art traditionnel des civilisations antiques. A travers divers symboles et mythes, il met à jour de la signification intérieure des oeuvres, agissant non seulement en tant qu'historien d'art mais aussi en tant que spécialiste des religions comparées d'audience internationale.
Dans la ligne des écrits de Mircea Eliade et de René Guénon qui se réfèrent tous deux à ses travaux, ses écrits conservent aujourd'hui encore toute leur actualité te leur pertinence. En historien d'art et spirituel éclairé, Coomaraswamy montre que toute oeuvre d'art sacré repose sur une valeur symbolique par laquelle elle peut s'avérer un supports de méditation et d'orientation pour ceux qui l'utilisent.
Un livre qui intéressera aussi bien l'universitaire que le bouddhiste pratiquant ou encore l'amateur de symbolisme, de spiritualité et d'art.
This beautiful publication presents a collection of exquisite ancient bronzes from the Wadsworth Atheneum that were collected by John Pierpont Morgan. It accompanies a special exhibition of the bronzes at Bowdoin College. This fully illustrated catalogue presents highlights of the ancient bronzes that were collected by J. Pierpont Morgan and are currently in the collection of the Wadsworth Atheneum. Purchased between 1904 and 1916, the bronzes were given to the museum by Morgan's son in 1917. Morgan was a passionate collector and spent years of his life acquiring exquisite works of art. He had a discerning eye and discriminating taste, and his driving motivation was to find works of quality and beauty. His Greek and Roman bronzes include a range of figure and vessel types: males and females, gods and mortals, humans and animals and hybrid mythological creatures, free-standing statuettes, and furniture embellishments. This is the first exhibition and publication to consider the bronzes as a group. Morgan chose each work of art for its exquisite craftsmanship, its quality of composition and execution, and its preservation. These objects represent the very best of ancient Mediterranean bronze sculpture, with carefully rendered clothing, hair, and fur, and adorned with inlays of silver and other luxury materials. Showcasing different types of objects and figures that were made in bronze in the ancient world, this exhibition and book demonstrate the high level of quality that these works of art could achieve. The bronzes are important not only for their provenance and place in America's 'Gilded Age', but also as highly significant individual works of art that represent the best of ancient bronzeworking. New high-resolution photography of each work of art will allow readers to appreciate their intricate details of craftsmanship, including copper and silver inlay. This focused publication will also present current research on these exceptional objects to help readers better understand how they were made and what they represented in an ancient context.
Il faut attendre la !n des années 1960 pour que les statues de la culture des Mumuye, dans le nord-est du Nigeria, apparaissent sur la scène artistique européenne, mais leur impact fut immédiat et profond. Les amateurs d'art africain se sont émerveillés en découvrant l'interprétation abstraite du corps humain par les Mumuye, interprétation qui rappelle l'approche de l'anatomie par les artistes des mouvements cubistes et expressionnistes au début du XXe siècle. De plus, leurs !gures sculptées anthropomorphes offrent d'étonnantes variations qui témoignent de la créativité très libre de ces artistes et de leur inventivité sans limites. Une analyse attentive des formes extraordinaires de ces !gures - qui dégagent une incroyable impression de mouvement - a conduit à établir une classi!cation stylistique qui identi!e différents ateliers, et même la main de sculpteurs individuels. Dans un résumé des rares études menées sur le terrain, le livre analyse le rôle essentiel de ces !gures comme symboles d'un statut et d'un rang social et leurs liens avec la vénération des ancêtres, mais aussi leur utilisation dans les pratiques de guérison et de divination. L'ouvrage propose une sélection de masques et autres objets, mais il se concentre avant tout sur les !gures sculptées.
En présentant une trentaine de chefs-d'oeuvre provenant de collections publiques et privées, il permet de comprendre pourquoi certaines des statues mumuye les plus réussies sont considérées aujourd'hui comme des icônes de ce que l'on appelle l'art africain historique.
This rich collection of over twenty fully illustrated essays covers an array of medieval topics, with a particular emphasis on sculpture. The contributors, all friends and colleagues of the dedicatee, are prominent experts in their different fields, from the United Kingdom, Europe and the United States. The wide range of subjects covered includes ivories, wood carvings, alabaster, architectural sculpture, caskets, reliquaries, and questions of imagery and iconography. With a full scholarly apparatus, A Reservoir of Ideals is an invaluable work of reference.
The volume celebrates the museum career and scholarship of Paul Williamson, a scholar and curator whose outstanding contribution to art history continues to expand and inspire the study of sculpture in general and medieval art in particular.
Williamson joined the V&A in 1979 as one of the youngest curators ever appointed.
He took over as Chief Curator in 1989, and he was Director of the Collections from 2004-07, and Acting Deputy Director in 2013. During his 36-year career at the V&A he wrote 17 books and over 150 articles. Williamson's profound experience and expertise as a curator at the V&A have both enhanced his own well-deserved reputation as the leading expert in the study of European sculpture, and simultaneously enriched the standing and holdings of the collections themselves. The works acquired during his time at the V&A, and the gallery displays that he either oversaw or curated himself, amply demonstrate his tremendous range of knowledge and appreciation of art.
Despite his wide-ranging expertise and enthusiasm for the art of all periods, it seems fitting that this volume is devoted to medieval art, and primarily to sculpture - the works of art that undoubtedly lie closest to his heart. It is a testament to his standing at the pinnacle of medieval studies that so many leading experts have eagerly contributed to this exceptional collection.
La figure humaine est la source principale d'inspiration de l'art grec.
Si les sculpteurs de la période archaïque s'efforcent de corriger le rendu anatomique, ceux de la période classique étudient l'équilibre du corps debout dont le poids est supporté par une seule jambe. Les sculptures grecques ont été admirées de façon confidentielle pendant longtemps ce n'est que vers la fin du XIXe siècle que les photographes se sont appliqués à révéler leur idéal esthétique et leur érotisme.
Les photographies de ce livre, mises en parallèle avec des textes anciens, sont un hymne à la beauté et à la sensualité du corps sculpté que les artistes grecs ont su si bien dévoiler.
