Au coeur du processus productif de Magali Reus (un livre d'artiste immersif et hautement sophistiqué - trois volumes assemblés, différents types de papier, jeu de transparence sur calques - basé sur trois nouvelles séries de l'artiste néerlandaise).
Reconnue pour son regard singulier sur ce que la sculpture contemporaine peut être et exprimer, Magali Reus puise dans une vaste gamme d'influences et de références formelles, du domestique à l'industriel, du fonctionnel au décoratif, créant des oeuvres qui évoluent comme une fascinante accumulation et superposition de détails visuels.
Conçu par Irma Boom, l'une des plus prestigieuses graphistes actives aujourd'hui, ce livre d'artiste propose une approche unique de la création artistique à travers le dévoilement des sources, de l'imagerie visuelle et des connexions qui ont donné naissance à la réalisation de trois séries emblématiques de Magali Reus : « Dearest » (2018), « Empty Every Night » (2019) et « Settings » (2019-2021). Conçue comme un espace où le spectateur peut prendre le temps de s'immiscer dans ce travail, la publication alterne des vues des oeuvres, des détails en gros plan et divers documents - d'un rendu technique en 3D et de calculs de production à des maquettes, des échantillons et des photographies de recherche. En partageant ses archives de production, de processus et de recherche, Reus permet au lecteur de décrypter la circulation des motifs d'un support à l'autre, son approche spécifique des notions de hiérarchie, de représentation et de systèmes de production, et la manière dont elle explore les tensions entre la nature, la technologie et l'impact de l'activité humaine postindustrielle. Le livre dévoile pleinement sa réflexion permanente sur la notion d'objet et sur les relations que les objets entretiennent. Composée de trois volumes distincts, imprimés sur des papiers différents et assemblés, cette publication collector est elle-même un objet puissant.
Trois contributions du critique d'art et commissaire Anthony Huberman, de l'écrivain et historienne de l'art Philomena Epps et de l'artiste et écrivain Sean Burns analysent la pratique de l'artiste à travers des perspectives historiques et littéraires.
Monographie documentant un projet éponyme dans lequel l'artiste américain explore la relation entre l'homme et la nature à travers un ensemble de sculptures composées des crânes des plus grandes espèces animales d'Europe.
Artiste, interprète, poète, essayiste et militant, Jimmie Durham est l'une des voix les plus influentes du monde de l'art contemporain. Cette publication accompagne son exposition au Migros Museum für Gegenwartskunst, constituée d'un ensemble de sculptures composées des crânes des plus grandes espèces animales d'Europe. Avec une introduction de Jimmie Durham et les contributions du conservateur du Cree Indians Heritage Richard William W. Hill et du directeur du musée Migros Heike Munder, cet ouvrage explore les réflexions menées par l'artiste américain autour de notre relation aux animaux, des valeurs civilisatrices, de l'historicité et de l'identité sociale.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au au Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich, du 26 août au 5 novembre 2017.
Le premier ouvrage entièrement consacré aux sculptures de l'artiste multimédia Doug Aitken. Une vaste sélection de ses oeuvres tridimensionnelles qu'accompagne un texte du célèbre romancier Steve Erickson écrit pour l'occasion.
Plus proche du récit graphique que du simple inventaire, cette publication conçue dans les studios de l'artiste n'en offre pas moins toutes les informations nécessaires à la compréhension des oeuvres grâce à un index fourni. Jouant avec les mots et les images, faisant appel à la technologie ou la perception humaine afin de faire réagir le public, les sculptures d'Aitken revêtent ici une forme nouvelle, celle de reproductions imprimées qui, assemblées, composent une « Gesamt-exhibition », exposition totale que seul peut produire le médium livre.
Doug Aitken (né en 1968 in Redondo Beach, Californie, vit et travaille à Los Angeles) est connu à la fois pour ses photographies et ses installations vidéos (dont Electric Earth, qui a reçu le Prix International à la Biennale de Venise en 1999). Ses installations vidéo imposantes et sensuelles combinent avec une grande virtuosité architecture, son et image en mouvement pour explorer les notions de présence, de distance et de mémoire à travers une déconstruction spatiale et temporelle qui s'affranchit de toute narration linéaire.
Les séries récentes et les nouvelles sculptures de l'artiste néerlandaise.
La pratique sculpturale de Magali Reus se concentre autour de la question des relations entre produits de masse et corporalité au sein des sociétés technologiques contemporaines. Prenant pour point de départ un objet du quotidien, Reus procède par accumulation et stratification, créant des pièces complexes et étonnantes, comme imprégnées d'une personnalité propre. Percutant la logique utilitariste de l'architecture quotidienne avec celle, métaphorique, d'un corps habitant l'espace, les sculptures de Magali Reus permettent de réfléchir l'espace physique et psychique de l'objet.
Cette monographie documente divers corpus récents (les séries « Parking », « Lukes », « Dregs », « In Place Of » et « Leaves ») ainsi que des sculptures créées spécialement pour une exposition au Stedelijk Museum à Amsterdam. Elle propose également des textes de Beatrix Ruf, Liam Gillick, Kirsty Bell et Andrew Durbin, ainsi qu'un entretien avec Leontine Coelewij et Andrew Bonacina.
Publié suite à l'exposition « Mustard », Stedelijk Museum Amsterdam, du 10 septembre au 27 novembre 2016.
Née en 1981 à la Hague (Pays-Bas), Magali Reus vit et travaille à Londres et à la Hague.
Premier ouvrage consacré aux sculptures minimalistes de Virginia Overton, fruit d'un dialogue spontané de l'artiste avec l'espace d'exposition.
Bien que le travail d'Overton soit lié de façon évidente à la sculpture minimaliste et plus particulièrement aux oeuvres de Donald Judd et Richard Serra, il traite également de la transformation de l'espace architectural. Les notions d'équilibre, de poids et de gravité sont mises au premier plan d'un ensemble soigneusement proportionné qui use de ce que l'artiste décrit comme les facteurs naturels d'attraction et de répulsion entre les matériaux. Ainsi, l'exposition d'Overton à la Kunsthalle Bern en 2013 proposait une série d'interventions directes à travers l'architecture du musée, l'artiste n'hésitant pas à recréer certains éléments du lieu comme pour renforcer l'effet d'écho. Overton s'inspire également de l'iconographie ouvrière américaine, incorporant des pick-ups (à l'intérieur comme à l'extérieur de l'espace d'exposition), des décalques de camions et des panneaux de signalétiques dans certaines de ses productions.
Publié suite à l'exposition personnelle de Virginia Overton à la Kunsthalle Bern du 23 août au 6 octobre 2013.
Virginia Overton (née en 1971 à Nashville, vit et travaille à New York) propose un travail d'installation, de sculpture et de photographie qui s'envisage comme une réaction vis-à-vis du lieu dans lequel l'artiste opère. À travers un processus expérimental où l'erreur joue un rôle fondamental, Overton développe une sculpture performative minimaliste basée sur l'intervention à même l'espace architectural. Économe par éthique, Overton s'appuie sur des objets recyclés ou récupérés, matériaux de construction et agricoles, bois, métal, plexiglas et tubes phosphorescents pour constituer des oeuvres centrées sur l'expression de la matière et de son usage.
Le cinquième titre de la collection « Archives » dédiée aux pratiques curatoriales et à l'histoire des expositions, consacré aux expositions « Sonsbeek 1971 » et « Sonsbeek 1986 » à Arnhem aux Pays-Bas, deux événements artistiques cruciaux dans l'émergence des expositions en plein air et la remise en question des frontières traditionnelles de la sculpture.
Six ans avant la première édition du « Sculpture Projects Münster », la manifestation « Sonsbeek 1971 » commissionnée par Wim Beeren bousculait déjà les codes traditionnels de la sculpture et de l'exposition en introduisant le film et la vidéo ainsi que l'art environnemental - avec la présence notable de Robert Smithson, Panamarenko et Claes Oldenburg. Quinze années après, la commissaire Saskia Bos présente « Sonsbeek 1986 », une relecture de la précédente édition à travers un parcours d'exposition fragmenté en plusieurs pavillons de verre spécialement conçus pour l'événement au sein du parc de Sonsbeek. Présentant l'actualité de la « nouvelle sculpture », « Sonsbeek 1986 » expose les travaux de Katharina Fritsch, Michael Asher, Luciano Fabro, Ettore Spalletti, Thomas Schütte, Jan Vercruysse, Reinhard Mucha, Mario Merz, Hidetoshi et James Casebere.
Réalisés par Jef Cornelis et dotés de son sens habituel de la dramaturgie et de la mise-en-scène des oppositions théoriques, Sonsbeek Buiten de Perken (1971) et Spaziergaenger mit Hund-Sonsbeek (1986) constituent une documentation unique autour de deux événements pionniers qui ont su renouveler le format de l'exposition. L'essai illustré de Yves Aupetitallot met en perspective le contexte et les débats qui ont vu surgir les deux éditions de « Sonsbeek ».
Première monographie consacrée à l'oeuvre sculpturale, suggestive et ludique de l'artiste franco-colombienne, avec deux essais et un entretien.
Publié à l'occasion de l'exposition monographique de Gina Proenza au Musée Cantonal des Beaux-Arts de Lausanne (MCBA), de mai à septembre 2024.
